1. Olhar seletivo: Fotografar com filme exige certa precisão ao fotografar. Precisão no sentido de que em cada rolo você tem um número X de fotogramas disponíveis e não vai querer desperdiçar. Isso faz com que cada fotografia seja pensada e o ato fotográfico valorizado. É um rito incessante e ainda assim calmo pela procura de belos instantes, de momentos memoráveis.

2. Ruídos: A fotografia analógica é muito democrática, ela permite que “erros” se transformem em grandes acertos. É um campo que admite criatividade infinita. Eu procuro agregar ao meu trabalho ruídos que reproduzam minhas interferências interiores/emocionais. Acredito que é possível expressar sentimentos através da mobilização de aspectos estéticos.

3. Ritual: Fotografar com filme pressupõe uma série de passos que para mim funcionam como um ritual. De comprar o rolo até postar a foto no meu site é um longo caminho feito de sonhos, planejamento, trabalho duro, ansiedade e realização. Eu gosto tanto de passar por tudo isso. (:

E aí, curtiu? Conte os seus motivos pra gente também! É fácin-fácin: Três fotos de sua autoria + suas informações + seus Três Motivos, mande para contato@queimandofilme.com. Ah, não se esqueça de colocar no assunto “Três Motivos” pra ajudar a gente a identificar, tá?

Ok, me chamem do que quiser, mas uma coisa é clara: a primeira reclamação de qualquer pessoa que começa a mexer com “lomografia” (que fique bem claro que eu ODEIO esse termo, já que o fundamento de qualquer câmera da Lomography é o mesmo de qualquer câmera fotográfica “normal”) é sobre a quantidade de fotos que perdeu no primeiro rolo de filme. Mas assim, você que já teve uma experiência desagradável, já parou para pensar na razão disso ter acontecido?

Vamos aos fatos: qualquer pessoa que mexe com fotografia analógica – e principalmente lomo – há algum tempo já deve ter parado para ler as “10 regras de ouro da lomografia”.

Bia | Foto: Bruno Massao (Lomography Fisheye #2 + Lomography Xprochrome 100 -em xpro)

Apesar de ter algumas regras interessantes (carregar sua câmera para todo lugar é uma delas), existe uma, em particular, que me irrita profundamente: a regra número 6, “não pense”.

Sim, ela me irrita. E por vários motivos.

As regras da Lomography foram pensadas com a LC-A em mente, e o grande problema é que as pessoas assumem que elas são válidas para todas as câmeras da marca – o que está bem longe de ser verdade. A LC-A é a câmera mais foda da Lomography – e fim de papo. Ela é a única “lomo” que não é considerada uma “toy camera”, sendo uma das únicas que possuí um fotômetro embutido (a outra sendo a Belair). Entendeu o motivo dessas 10 regras não serem aplicáveis para todos os usuários de câmeras da marca?

A LC-A, querendo ou não, é a única câmera da Lomography que vem com a garantia de que todas as suas fotos sairão – talvez não da maneira que você imaginou. Nem a Belair, que também possuí fotômetro, tem garantia de que 100% das fotos sairão.

Ou seja, o “não pense” deles é válido para apenas UMA câmera, entre as mais de dez câmeras do line up. Assim fica fácil você dizer “não pense” quando a câmera faz todo o trabalho – e um trabalho muito bem feito, diga-se de passagem.

Os problemas começam a ocorrer quando as pessoas que usam qualquer outra câmera da marca começam a adotar essas regras. Quer um belo exemplo? Você usa uma Diana Mini. Você sai com ela, vê alguma coisa na rua e “click”, faz a foto. Não pensou, não se ligou das condições climáticas, não sabe se o filme que está dentro da câmera é o mais adequado, enfim, fez tudo de forma afobada e impensada. As chances da sua foto não saírem são imensas. Agora repete o mesmo procedimento com uma LC-A e você vai ver como o resultado é completamente diferente.

Merging with the city | Foto: Bruno Massao (Lomography Fisheye #2 + Lomography Xprochrome 100 – em xpro)

Reconheço que a Lomography é importante para o  legado da fotografia de filme, mas temos que admitir que ela ainda é uma empresa, e como qualquer empresa ela espera lucro. A regra “não pense”, ao meu ver, não adiciona nada ao usuário iniciante – apenas o induz ao erro da afobação.

Portanto, ao invés de comprar uma câmera da Lomography e depois #xingarmuitonotwitter reclamar na internet que suas fotos não saíram, faz o seguinte:

• Leia o manual da câmera – ele sempre diz coisas valiosas, como qual tipo de filme usar;
• Não tem paciência para ler? Participe de algum workshop da Lomography. Eles vivem fazendo workshops sobre as mais diversas câmeras;
• Pesquise sobre ela na internet, lendo (e vendo) a opinião e fotos de outros usuários da mesma câmera, tanto positivas quanto negativas;
• Aprenda um pouco sobre o fundamento básico da fotografia e fotometria, já que, no fundo, uma “lomo” nada mais é do que uma câmera qualquer.

Eu sei que a afobação e a ansiedade acabam tomando conta, mas se você parar e pensar um pouco, antes de tudo, sua (talvez primeira) experiência analógica seja muito mais proveitosa. ;)

Confesso que estou pra escrever esse texto a meses. Sempre que algum colaborador do QF me surpreende com uma grande ideia, com uma série de posts super trabalhosos, ou demonstrando um carinho pelo site que seria de se esperar apenas daquele que o criou, me volta a vontade de homenagear essa turma. Mas #agoravai.

De vez em quando cito aqui uma frase da peça Henroque V, de Shakespeare, que uso pra dizer que somos poucos – os amantes da fotografia analógica como hobby – mas somos felizes, somos irmãos nas concordâncias e nas discordâncias, nos erros e acertos. Somos um bando de irmãos, como diz o texto do Tio Shake. Mas pra mim, me perdoem os demais, existe um grupo de irmãos mais irmãos.

“Obrigado!” 

São os irmãos que resolveram, por convite meu, ou por vontade própria, tomar pra si o trabalho pentelho (não em entendam mal ;-) de cuidar desse site onde tentamos (até hoje com sucesso) publicar um post inédito por dia que realmente faça a diferença na vida de quem lê. Esses irmãos, os tais colaboradores, muitas vezes passam varado pelas leituras de vocês, que muitas vezes acham que todos os textos são meus. O que não é verdade. Ainda bem, né? Se não tanto eu quanto vocês estaríamos morrendo de tédio ;-)

Portanto, gostaria aqui de pedir alguns minutos de sua atenção pra falar um pouco desses colaboradores, e pedir que vocês agradeçam a eles por esse esforço não remunerado (sim, o QF não dá lucro. Na verdade banco ele do meu bolso desde a fundação. O que torna o trabalho dessa turma ainda mais nobre). Apesar de já ter apresentado muitos deles em seus primeiros posts no site, gostaria de repetir a apresentação, e agradecer a cada um deles, publicamente.

O bando de irmãos, em sua formação atual, em ordem alfabética:

Alex Villegas (2 posts publicados): Amigo, compadre, professor, escreve sobre os prazeres da fotografia em grande formato quando consegue tempo entre seus trocentos trabalhos como fotórafo e professor. Valeu Alex!

André Corrêa (440 posts publicados): Esse cara sou eu…tchurururu….tchurururu….

Andrea Xavier (5 posts publicados): Gambarreira de mão cheia, foi convidada depois que virei fã do blog dela, onde a moça vivia postando suas maluquices. Obrigado Andreia!

Bruno Almeida (7 posts publicados): Chegou um dia querendo contar uma aventura que teve em Buenos Aires. Pedi pra ele mesmo redigir e acabou ficando. Escreve principalmente sobre suas experiências pessoais. Valeu Bruno!

Bruno Massao (25 posts publicados): Psicopata de plantão, sabe tudo de tudo, não por ser metido, mas por ter a capacidade de aprender em uma lida todas as características técnicas de uma câmera. Escreve muito sobre equipamento, mas se amarra numa doideira… valeu Massao!

“Obrigado!”

Damião Santana (2 posts publicados): Um dos primeiros caras do Brasil que conheci falando de analógica, faz parte da “velha guarda da Lomografia no Brasil”, junto com o Julio França. Escreve pouco, mas quando escreve já chega arrasando. Valeu Damiones!

Diogo G (23 posts publicados): Nosso correspondente no velho continente, traz novidades que só chegaram na Europa, conta suas experiências e opiniões, e é um excelente alvo de piadas de portugês em nosso grupo de colaboradores. Disparado, um dos que mais se dedicam ao Queimando Filme, mesmo estando tão longe. Recentemente criou a série FilmePedia, que toca com muito gosto. Muito obrigado mesmo, portuga!

Gabriel Chacon e Rodrigo Kairala (1 post publicado): Novos no time, ainda tímidos, preferem postar no Facebook do que no site. Mas aos poucos eu convenço eles a colaborar um pouco mais falando sobre as 5468217395600187363 experiências que eles fazem diariamente. Valeu Gabriel! Valeu Rodrigo!

Julio França (13 posts publicados): Provavelmente a segunda pessoa que convidei a escrever no QF, Julio é outro da velha guarda da Lomografia no Brasil e, na minha opinião, o maior gambiarrista do país. Nos deu a honra de deixar de escrever alguns posts em seu site próprio pra escrever aqui no QF. Valeu Julio!

Larice Barbosa (7 posts publicados): Primeira “minina” a entrar no QF, colabora com muito mais do que posts. É a designer das camisetas que vendemos, criadora da logomarca do FilmePalooza, e dona de um olhar tão sensível que chega a comover. Obrigado, Lari… ;-)

Lila Souza (1 post publicado): Amiga, professora e comadre, escreve sobre conceitos, ideias, inspiração. Junto com as outras meninas do time, contribui com um olhar mais delicado pro nosso dia a dia. Obrigado, Lila!

Luiz Fellipe Carneiro (8 posts publicados): Parceiro antigo no QF, colaborou antes mesmo de ser colaborador, quando postei – sem saber quem ele era – um video dele em um dos primeiros posts do site. Desde então está sempre por perto, falando do que entende, trazendo projetos especiais, como a excelente série sobre minilabs. Valeu Luiz!

Luiz Fernando G. Beltrami (1 post publicado): Último dos meus ex-alunos a se juntar ao time, ainda tá meio tímido mas, como o conheço pessoalmente, sei que tem muito pra contribuir ainda. Valeu Luiz!

“Obrigado!”

Luiza Cavalcante (4 posts publicados): Belenense expatriada em Buenos Aires, se ofereceu pra colaborar com o site com seus textos sobre suas experiências acadêmicas e pessoais em fotografia na terra dos hermanos. Na falta de coisa melhor pra fazer da vida, criou com a Lari a série Três Motivos. Obrigado Luiza!

Lomocouple: Ana & Gui (7 posts publicados): Casal que fecha o grupo de pioneiros da Lomografia no Brasil colaborando no QF, o Lomocouple sempre tem coisa boa pra contar de suas viagens, experiências e opiniões. Obrigado Gui e Ana!

Orlando Calheiros (0 posts publicados): O polêmico antropólogo que nunca escreveu sequer um post pro QF porque está eternamente “terminando uma tese”, não perde a oportunidade de soltar o verbo nos podcasts, quando não está enfiado na floresta com seus amigos índios. Algum dia – diz ele – escreve o primeiro post pra gente. Mesmo assim, valeu Orlando!

Pedro Moriyama (6 posts publicados): Encontrado em seu site de reviews e venda de câmeras, não podia deixar de ser convidado pra falar das suas belezinhas analógicas aqui no QF. “reviewzeiro” oficial, fica sumido um tempo até que do nada me manda um, dois, três reviews deliciosos. Obrigado Pedro!

Rodrigo Netto (1 post publicado): Nosso especialista em digitalização caseira, tá sempre por perto pra responder a eterna pergunta: “que scanner eu compro?”. E, mesmo tendo ouvido essa pergunta trocentas vezes, está sempre sorrindo e disponível. Valeu Rodrigo!

Samuel Paz (10 posts publicados): Famoso por ser o criador do inusitado post “A câmera SLR do ponto de vista de… um raio de luz (hã?)“, colabora falando “de um tudo”. É um daqueles caras que tá sempre por perto quando se precisa dele. Valeu, Samuca!

Yago Moreira (3 posts publicados): Ex-aluno, caçula do time, estudioso dedicado, colabora sempre que pode com análises, opiniões e dissertações sobre temas ligados a história da fotografia. Valeu Yago!

Mas, felizmente, a coisa não para por aí. Temos, nesse exato momento, mais uns cinco colaboradores prestes a entrar nesse grupo e, a eles, antecipadamente, também vai meu agradecimento, em meu nome e em nome dos leitores.

Pode parecer piegas, mas lá vai: sem vocês o Queimando Filme não seria o que é hoje.

#prontofalei.

Lembro-me da primeira vez que eu ouvi falar do HOLI ou Festival das Cores na Índia. A namorada do meu pai tinha feito uma viagem espiritual e passou meses deslumbrando-se no misticismo (e sobrevivendo às condições sanitárias) da terra de Gandhi. A princípio a ideia me pareceu bem interessante – fotograficamente falando. Centenas de pessoas sendo coloridas numa mistura infinita de tons em comemoração à chegada da primavera.

É claro que alguém iria aproveitar isso um dia – e assim nasceu a Color Run. Uma corrida de 5/10 km onde os participantes são cobertos com todo tipo de cores me pó. O evento normalmente termina com um enorme festival de cores e música (hipster galore). A corrida não tem vencedores ou tempos oficiais. Para que, né?

Mas algo muito mais sério me leva até você, meninos e meninas. Um artigo do Roger Cicala no blog do Lensrentals.com conta o resultado de todo aquele pigmento em pó nas lentes/câmeras alugadas para fotografar o evento. Ele mesmo é um defensor de que um pouco de poeira não faria mal algum ao seu equipamento, mas as color bombs - sem água – se provaram algo bem diferente…

O horror! O horror!!! As fotos mostram uma lente novinha em folha depois de ter sido limpa externamente. O pó dos infernos penetrou em TODO o equipamento, ignorando inclusive as famosas proteções contra poeira e umidade que as lentes “profissionais” tem.

Tem até dentro do corpo, entre os elementos óticos! A única maneira de se (tentar) livrar disso é desmontando e limpando tudo cuidadosamente.

Para algumas, nem isso foi uma opção e tiveram que ser mandadas para a assistência técnica – onde pelo menos uma foi classificada como “financeiramente não viável para reparo”. Esse tipo de dano foi considerado “uso negligente”, e como tal não foi coberto pela seguradora.

Minha esperança com esse texto foi alertar todos nós dos riscos que corremos quando vamos dar nossos cliques. Eu NUNCA iria para uma Color Run por causa da minha própria propensão alérgica à poeira. Some-se a isso o meu apego aos meus equipamentos para expor eles a tanto abuso.

Mas para quem gosta e não tem as mesmas limitações que eu pode ter uma experiência única. Uma das minhas alunas foi numa festa “inspirada” no festival hindu aqui em Brasília e levou a câmera, selada dentro de uma proteção para mergulho. As fotos ficaram BEM legais, mas esse é um ensaio que eu deixo para os mais curiosos. Para quem quiser se arriscar, aqui tem os locais para as próximas Color Run:

• No Brasil;
• E em terras lusitanas (vai encarar Diogo?).

Então resolvi falar um pouco mais sobre a manipulação na fotografia analógica, mas não sobre contraste, brilho, etc, mas sim de manipulações que causam/causaram muita polêmica. E vou dividir esse tema em duas partes: A primeira, que vamos ver hoje, é sobre fotos encenadas. A segunda, sobre fotos manipuladas no laboratório, nada mais nada menos do que o Photoshop da época da sua vó.

Lembrando que no meu primeiro post eu falei um pouco sobre a foto “Morte de um miliciano” do Robert Capa, então clica aqui antes de continuar.

Já leu? Ok, vamos viajar no tempo agora.

A primeira foto vou que mostrar é de um cara chamado Hippolyte Bayard, a foto foi tirada em 1840 (isso mesmo, mil oitocentos e quarenta!!), e se chama “Self-portrait as a Drowned Man” (auto-retrato de um afogado, em tradução livre). O cara da foto é o próprio Bayard, que quis registrar seu “suicídio”. Não, ele não se matou de verdade, isso foi uma forma de protesto.

Lá pelos anos 1830, aconteceu uma disputa pra ver quem seria o primeiro a aperfeiçoar o processo fotográfico e, como alguns devem saber, o grande vencedor dessa disputa foi Louis Daguerre, o primeiro a patentear o processo. Mas nosso amigo Bayard, na mesma época inventou um processo diferente, chamado “impressão positiva direta”, só que ele não ficou famoso, muito menos rico como Daguerre e nem teve um apoio do Governo Francês. Então Bayard ficou muito #chatiado, e resolveu tirar o que hoje é conhecida como a ‘primeira foto encenada do mundo’, e ainda escreveu no verso:

“O cadáver que você vê aqui é de M. Bayard, inventor do processo que está sendo mostrado para você. Eu sei o quanto este incansável pesquisador  ocupou-se por 3 anos por essa descoberta. O Governo que só tem sido generoso com o senhor Daguerre, disse que não pode fazer nada pelo senhor Bayard, e o pobre miserável se afogou. Ah, os caprichos da vida humana! Ele esteve no necrotério por vários dias e ninguém o reconheceu. Senhoras e senhores, é melhor passar adiante por medo de ofender o olfato, pois, como vocês podem observar, as mãos do cavalheiro estão começando a decompor.”

Já ouviu falar na lenda do Monstro do Lago Ness? Pois é. A próxima, acho que é mais conhecida, mas não ‘menos bizarra’. É conhecida como The Surgeon’s photo.

Pessoas afirmam que nesse lago na Escócia vive uma espécie de monstro, mas ninguém nunca conseguiu provar, mas até que em abril de 1934, um tiozinho chamado Robert Wilson estava dando andando de carro próximo ao lago e viu um movimento estranho na água, parou imediatamente, desceu do carro e fotografou o que parecia o pescoço do monstro fora d’água. Era a prova de que o monstro existia.

Mas o próprio Robert nunca quis ter seu nome associado a essa foto. Por que será? Imaginem a polêmica que essa foto deve ter causado. Foram anos e anos de investigações, chegaram a dizer que aquilo não passava de um elefante (what?), ou algum tipo de animal marinho. E então descobriram que aquela foto, na verdade, foi ‘cropada’ para dar um close e a impressão que o monstro era gigante, mas na verdade a foto foi tirada de longe, o que dava pra ver só um pequeno pescoço/cabeça na água e chegaram a conclusão de que não era um monstro devido ao tamanho. Até que em 1994 a verdade veio à tona. Um homem chamada Christian Spurling , confessou que teria colocado no lago um submarino de brinquedo com um pescoço feito por ele, com ajuda de seu padrasto e do Robert Wilson para ser o fotógrafo.

Mistério resolvido, nada de monstro.

Nossa última foto é muito mais famosa do que as duas de cima, na verdade é uma das fotos mais famosas do mundo, foi tirada por Robert Doisneau. O André já até falou aqui, sobre um dos livros dele.

Essa é a foto O beijo do Hotel De Ville, tirada em 1950. A foto basicamente tem um casal se beijando como se estivessem sozinhos em uma rua de Paris, enquanto as pessoas continuam passando por ali.

Doisneau afirmou ter sido uma fotografia espontânea. Maaaas em 1988, Jean-Louis e Denise Lavergne viram a foto na TV e se reconheceram como o casal da foto. O que eles fizeram? Entraram com um processo contra o fotógrafo. Então, Doisneau confessou ter mentido que o casal da foto foi contratado por ele, para posar para uma foto que ele iria fazer para a revista Life. É… a casa caiu mermão. Mas vale lembrar que os dois espertinhos que tentaram se passar pelo casal, não receberam nada.

Claro, que não dá pra listar aqui todos os casos conhecidos, senão ia ficar um post gigante. Mas conta pra gente, que outro caso curioso você conhece? Comenta aí.

E no próximo post, vou falar de algumas montagens feitas em fotos da época que não existia nenhum software pra isso. E tenho certeza que vou te convencer (ou não) a parar de torcer o nariz para seu amigo que usa photoshop nas fotos tiradas com câmeras analógicas.

Esse é o terceiro post da primeira temporada da Filmepedia – e uma experiência muito especial para mim.  Eu sempre tive curiosidade de fazer os meus próprios cromos. Não me levem a mal – um Xpro de vez em quando é bem legal, mas… Quem cresceu com aulas na escola ilustradas com slides, com projetor de carretel e tudo, bate uma vontade de fazer os seus próprios. Quando eu li a chamada do FilmePedia achei que seria uma ótima ideia fazer a minha contribuição.

A escolha do Velvia foi muito em função do texto do Ken Rockwell. Foi uma mensagem simples: “You like these colors? Você quer essas cores?”

Pode apostar que sim!

Então, quando apareceu uma oportunidade de uma viajem para o Rio de Janeiro no feriado da semana santa – lá fomos nós! Desta vez, com uma câmera extra revisada para não repetir CERTOS PROBLEMAS. Apesar de o Ken não recomendar o seu uso para retratos por deixar um tom vermelho – eu não me importei. Acho que valeu a pena um pouco mais “calor”. Todas as fotos foram em uma tarde em Copacabana – e os tons entraram no clima. (Sacaram? Hein? Hein?)

Aqui estão os resultados!

Espero que vocês tenham gostado do resultado tanto quanto eu! É bem provável que eu deixe de fazer Xpro com filmes não vencidos para ter mais dessas belezuras – em especial com o Velvia que me presenteou com uma gama de cores tão linda, cheia de contraste e vida. Vou tentar sempre ter pelo menos um rolo dele na geladeira.

Agora é a SUA vez, leitor camarada. Quando é que você vai se juntar ao projeto Filmedia? A Temporada Cromo continua e suas participações serão sempre muito bem vindas. Onde estão os Kodak? E os Agfa? Tem muita coisa boa por ai para compartilhar! Enviem um e-mail com o assunto “filmepedia cromo” para contato@queimandofilme.com, com as suas fotos e depoimento sobre o(s) filme(s) que escolheu.

#todosparticipa \o/

Um abraço!

Obs: Levem MUITO a sério quando a Fuji diz que a tolerância de latitude do Velvia 50 é de – ½ a + 1 stop. Eu perdi muitas fotos por causa de avaliações pouco ortodoxas, ok?

A regra era fotografar por trinta dias um tema escolhido por você (no caso, eu), com o equipamento de quisesse e a ideia era que ao final deste período tivesse com 30 fotos. Iniciativa divertida e eu adorei a ideia de fotografar com um tema só. Escolhi usar a minha Instax Mini 7S, uma câmera instantânea que eu quase não uso. Não sabe o que é a Instax 7S? Então dá uma olhada aqui.

Escolhi a Instax Mini 7S, pois achei que seria mais fácil. Ela tem ajustes para cada tipo de iluminação: Dia claro de sol, Dia de sol, Nublado e Áreas internas, mas tive muitos problemas. Em condições normais, esta é a câmera mais legal para fazer fotos, principalmente fotografar a turma de amigos. Não deixei a câmera ligada durante meu trajeto e ela demora um pouco até estar pronta para clicar.Para fotografar o meu tema dentro de um carro parado no trânsito, eu precisava de algo mais ágil, por isto perdi muitos cliques que seriam legais.

Se você é como eu que não pode ver nada que já sai clicando, deve ter imaginado a dificuldade em manter um tema. Tudo parece mais interessante de fotografar do que o tema que você se propôs a seguir. O meu era No Transito, para fotografar as coisas que encontrava no caminho enquanto estava presa no trânsito.

Não consegui chegar a fazer 30 fotos, mas os resultados foram interessantes! Olha aí!

Desde que eu resolvi pegar sério na fotografia e aprender, eu fiz Senac quando a transição para o digital ainda era uma incerteza – e uma Rebel D custava quase dois mil obamas dólares. Ou seja, eu aprendi a fotografar com filme e mexi nas mais diversas câmeras. Não que eu seja extremamente orgulhoso disso, ou que queira esfregar na cara de vocês, leitores do site. O que eu quero é mostrar que o que eu vou dizer realmente é pessoal. O texto todo tem um fundamento bem pessoal. É quase a história de uma vida.

Enfim, voltando ao Senac: tive contato com as mais diversas câmeras no período em que eu estudei, desde Pentax 67 até Yashica Lynx, passando pelas mais diversas (e adversas) SLRs e compactas “avançadas”. E como o digital ainda era uma incógnita, duas câmeras chamavam bastante a atenção na época: as Leica R8 e R9. O motivo? Elas eram SLRs de filme, mas, ao mesmo tempo, eram digitais.

Como? Simples: as Leica R8 e R9 tiveram, dentre sua enorme gama de acessórios, um back digital chamado “Digital Modul R”. Era a aposta da Leica: se o digital vingasse, os fotógrafos teriam um acessório a parte e continuariam usando a mesma câmera, tornando-a digital; caso contrário, o fotógrafo continuaria utilizando-a de forma analógica.

Além disso, elas eram (são, na verdade) SLRs lindas – principalmente a Leica R9. Não preciso nem dizer que eu já conhecia toda a fama das Leicas na época, principalmente da série M, e ao conhecer a série R, uma chama se acendeu em mim: eu queria ter uma SLR da Leica.

Leica R9, back in black, sendo o que ela sempre foi: toda linda

Esse desejo permaneceu ao longo dos anos. Sabe, tipo paixão platônica adolescente? Você se apaixona por uma garota, sabe que nunca vai tê-la, toca sua vida como pode e bola pra frente.

A garota que eu nunca teria, no caso, era a Leica R9.

Dê um salto de uns bons anos e você vai perceber que eu toquei a vida: entrei em um “relacionamento sério” com a Canon – tanto em filme quanto digital. Continuo fotografando. Continuo lendo e relendo sobre câmeras de outras marcas. Mas a Leica R9 está lá, dentro do coração, em algum cantinho.

Quando eu voltei a fotografar com filme, após o digital ter se estabelecido, eu fui atrás de uma Leica R. Nunca achei nenhuma R9, tampouco a R8. Fui atrás e nada. Acabei conhecendo toda a linha R na esperança de ir atrás de uma Leica R. Pesquisei sobre. Nada. Até que eu desencanei. Se um dia aparecesse, eu compraria. Se não, ok.

Pois bem, e qual não foi minha surpresa quando uma amiga minha, a filmmaker Mariara Freitas, me mandou um Whatsapp com a seguinte pergunta: “Quanto custa uma Leica R4?” Eu li, reli, fiquei me perguntando porque ela estava me perguntando isso e… Respondi. Fiz uma busca rápida no Mercado Livre e no Ebay, ponderei uma média e respondi “uns R$2.500 sem a lente, uns R$3.500 com a 50mm f/2″. Na hora ela me respondeu com um “wow”, seguido de um “acabei de ganhar uma.” Não vou entrar nos méritos do que aconteceu pra ela ganhar essa câmera, pois isso é motivo para outro post – que eu quero que ela própria escreva -, só vou direto ao ponto: ela ganhou uma Leica R4 (a R4s, para ser mais exato) e, logicamente, eu fui tirar uma casquinha.

Eu me senti assim quando segurei a Leica R4s pela primeira vez

Nos encontramos numa segunda-feira. Ela me mostrou a câmera e eu a achei, numa primeira olhada, linda. Quer dizer, “maravilhosa” é um adjetivo melhor. O peso da câmera é na medida certa: nem tão pesada, mas nem tão leve. Ela é ergonomicamente sensacional de se usar. Tem pegada. Mas o encanto durou só até eu colocar o olho no viewfinder – que decepção.

Não, o viewfinder não é inferior ao de nenhuma outra câmera. Só que ele também não é superior. É simplesmente… Igual. Igual sua Canon, sua Nikon, sua Zenit – ou seja, lugar comum, você consegue esquecer completamente que está com uma Leica na mão.Ela é bem longe do que é uma Leica M – o sinônimo da perfeição. Ela é bem longe, assim, anos luz. Eu me desapontei.

Mesmo assim, usei a câmera. Fiz algumas fotos da Mariara, e a unica coisa que me encantava na câmera era o meu subconsciente dizendo “você tá com a Leica que sempre quis na mão!” Mas, na real, tava bem escancarado, com letreiros de neon, que a câmera não era nada demais. E isso foi o que me desapontou: eu esperava muito da câmera, justamente por ser uma Leica – e aparentemente tudo o que eles queriam era uma câmera como outra qualquer. 

Fazer o que, né? Bola pra frente. Espero que, pelo menos, as fotos que eu fiz fiquem bacanas – quem sabe a ótica das lentes não apague um pouco do choque de realidade que a R4s deu em mim. Ou quem sabe alguém não aparece com uma Leica R9 e toda a minha opinião mude acerca dessa linha.

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UPDATE (antes mesmo do post ir ao ar, mas é assim que a coisa funciona):

Aqui tem uma das fotos que eu fiz da dona da câmera, a Mariara.

Mariara Freitas | Foto: Bruno Massao (Leica R4s + Leica Summicron R 50mm f/2 – Kodak Gold 200)

Primeiro veio “O Olho do Fotógrafo” que, meio desconfiado, li e fiz o review. Seis meses depois, já cusioso, veio “A Mente do Fotógrafo”, que li com carinho, e novamente fiz o review, dessa vez já sem medo de elogiar o autor, que já tinha me conquistado com sua visão democrática, simples e equilibrada entre o técnico, o conceitual e o criativo. E agora, pra fechar a trilogia de livros (até que venha um quarto, e digamos que ele veio pra fechar a quadrilogia…), caí dentro do “A Visão do Fotógrafo”. E, finalmente, sem a menor vergonha na cara, afirmo: virei fã do cara.

Não vou aqui ficar resumindo novamente os dois livros anteriores (sugiro que você leia os reviews deles aqui e aqui), mas comparar é importante pra entender como eles se completam: o primeiro fala de o que o fotógrafo vê quando está fotografando, e o segundo fala do que o fotógrafo pensa quando está fotografando. Já esse terceiro faz uma curva de cantar pneu e fala sobre o que o fotógrafo vê e pensa… enquanto está VENDO uma foto.

Agora diz… que outro livro desse tipo – sem ser acadêmico, estilo Susan Sontag – você já viu, que te ajuda a entender a fotografia que você vê todos os dias, seja no Facebook, no Twitter, no Google Art Project, ou no Louvre? Certamente existem… mas concorda que são raros, e mais raros ainda os bons?

“Ok…ok… já entendi que o livro é legal. Agora fala um pouco mais sobre como ele é!”

Ó, ele é assim: começa te tranquilizando sobre vários aspectos, principalmente sobre o (chatíssimo) debate do que é e o que não é fotografia (não vou fazer spoiler do que ele diz… mas é um ponto de vista do qual compartilho :-). Em seguida tenta organizar a forma de ver e entender a fotografia, tratando de pontos como “em que consiste uma boa fotografia” e “o público importa”? Mas faz isso de forma madura, pouco opinativa, e sempre construtiva. Ou seja, não diz “é assim porque sim, e pronto!” em nenhum momento. Ao contrário, te dá elementos pra você chegar à sua própria resposta (novamente, sem cair em textos longos e cansativos sobre conceitos acadêmicos centenários ou revolucionários).

Em seguida ele vai se tornando mais prático no sentido de te ajudar a entender a fotografia. Tenta dividir as fotografias (apenas pra te ajudar a entender o propósito da fotografia em questão) em gêneros (paisagem, fotojornalismo, científica) sem perder o foco no fato de que não existem definições perfeitas, segue perguntando o porque daquela fotografia ter sido feita, questionando o momento histórico em que foi feita e, finalmente, o efeito que aquela foto teve, pode vir a ter, ou deveria ter em quem a vê.

Ou seja, o livro te pega pela mão, te dá um chá de camomila e te ajuda a entender o que você sente quando vê uma foto, mesmo que não sinta nada. E faz isso sempre de forma muito ilustrada, exemplificada, e sem enrolações, como numa boa conversa entre amigos. O resultado é que – diferente do que ocorre ao final do “A Mente do Fotógrafo” (vide o final do review que fiz), ao final desse livro aqui, você se sente mais tranquilo com suas dúvidas e inseguranças (e por ter dúvidas e inseguranças!), e mais preparado pra pensar sozinho sobre o que você acha que aquela fotografia significa e representa (sim, porque significar e representar são coisas diferentes).

Assim como os anteriores, acho que esse livro nem é só pra fotógrafos, mas pra todos que curtem fotografia, nem que seja só via Instagram. É um daqueles livros pra se ler com calma, curtindo, pensando, conversando com os amigos e até – porque não? – pulando capítulos ou páginas que não te interessem muito (se bem que eu acho que você não vai conseguir fazer isso ;-)

E, pra terminar, se você – como eu – ficou com vontade de conhecer mais sobre o autor, e ver o que mais ele já escreveu, cuidado pra não cair pra trás quando acessar esse link! E comecem comigo a campanha pra Editora Bookman continuar traduzindo os livros dele \o/

Ok, vou começar o post pelo final e explicar porque essa é a minha opinião: vocês deveriam fotografar mais debaixo de chuva.

“Porra, mas não destrói meu equipamento?”

A resposta para essa questão é simples: sim e não. Explico.

Obviamente que sua câmera não é à prova d’água (a não ser que seja). Mas isso não significa que ela vá morrer assim que tomar algumas gotas de chuva – ou um banho repentino. Isso vale para o seu equipamento digital mas, principalmente, para seu equipamento analógico.

Todo mundo sabe que um equipamento analógico é mais resistente que boa parte das câmeras digitais disponíveis no mercado (a menos que você tenha uma Canon EOS 7D, porque ela é indestrutível) e, justamente por isso, essas câmeras aguentam o tranco. E não falo apenas sobre aguentar condições climáticas adversas: eu falo sobre, literalmente, aguentar quedas, areia, vento, água, maresia, etc.

Pense assim: sua câmera digital, DSLR ou não, é um soldado novato, cheio de aparatos tecnológicos, pisando em território inimigo pela primeira vez; já sua câmera de filme é um veterano louco durante o dia D, saltando de paraquedas em território inimigo armado apenas com uma M1 Garand e gritando “BRING IT, BITCHES.” Acredite, as chances do veterano louco se dar melhor são bem maiores do que o soldado novato.

Por Bruno Massao / Canon AE-1 + Lomography Xprochrome 100

Eu nunca fui de ter dó de equipamento. Todas as minhas câmeras – com exceção da Rebel T3, que só viu uma garoa fina até hoje – já enfrentaram coisas adversas, desde chutes em um moshpit (Canon EOS A2E) até temporal com alagamento (Canon EOS Rebel XTi), passando por quedas (Canon EOS 5), banhos de cerveja (Lomography Fisheye #2) e lambidas de cachorro (Canonet QL17). E não é porque eu sou descuidado, não. Eu simplesmente acredito que equipamento foi feito para ser usado, abusado e, de certa forma, destruído. Não destruído de simplesmente destruir, não, mas sim destruir de ser usado, destrinchado. Tipo All Star velho e surrado, ou Nike Dunk cheio de silver tape.

E desde que eu comecei a praticar street photography, o clima de São Paulo sempre foi um empecilho…

…até o dia em que eu liguei o foda-se.

Sério. Se eu nunca tinha tido dó do meu equipamento digital, porque eu estava “me impedindo” de fotografar durante uma chuva? Pior ainda: se eu não tinha dó do equipamento digital, não faria sentido algum eu ter dó do meu equipamento analógico para os mesmos fins. Então eu decidi que não seria uma chuva que me impediria de fotografar determinadas cenas do cotidiano paulistano. 

Sendo assim, o ponto mais importante é que você tem que ter consciência de que seu equipamento pode não aguentar o tranco e sofrer avaria. Eu tenho essa consciência e também sei que não são todas as pessoas que têm a coragem – tampouco a vontade 0 de fotografar debaixo de chuva. Só que, na minha opinião pessoal, o resultado pode te surpreender. Assim sendo, com todas as letras, eu digo: vai fundo, pois vale o risco.

Você não é feito de açúcar, sua câmera tão pouco. Vista um agasalho, uma capa de chuva ou mesmo um guarda-chuva e vá se aventurar em terras molhadas. Depois de se aventurar, seque a câmera com cuidado, usando um pano macio e deixe a câmera em um local seco e arejado para dissipar totalmente a umidade. Pronto, você vai ver que sua câmera tá pronta pra outra!

Abaixo tem uma galeria de fotos minhas, feitas na chuva. Tem a descrição do equipamento usado nelas. Espero que vocês se inspirem e saiam para fotografar mais. ;)

Outro dia estava folheando um catálogo das Sony Alpha do amigo Marcelo Pretto, quando dei de cara com essa imagem aí de cima (que fotografei com o celular na hora). Ela mostra, como se fosse um PUTA diferencial de mercado (shame on you, Sony!) que as lentes da Alpha têm uma abertuda do diafragma assim toda redondinha, o que geraria desfoques (chamados por alguns de bokehs) bem… redondinhos.

Bom, o lance aqui não é falar da Sony, e nem do fato dela estar vendendo o de sempre como se fosse diferencial*, mas sim ajudar a quem não se deu conta ainda a entender que a forma feita pelas lâminas do diafragma quando ela forma a abertura desejada são exatamente a forma com que os desfoques vão ficar na sua foto, principalmente em fotos com fontes de luz bem claras sobre fundos bem escuros.

Portanto, pra saber se seu desfoque/bokeh vai ficar redondinho ou pentagonal, dê uma olhada na forma que o “buraco” do diafragma fica quando você ajusta ele. Dessa forma, quando você estiver trabalhando com o desfoque como forma de composição estética, vai saber exatamente o formato que as suas bolinhas de luz vão ter… ;-)

*P.S: Sei que não é toda objetiva que tem abertura circular. Na verdade, são raras. Mas vender isso como se fosse algo novo, ah, aí já é demais, né? :-)

Lente da Smena 8M. Quase igual à da Symbol

Atendendo aos pedidos de alguns leitores, aqui está um review da Smena (ou Смена, em russo).

Essa camerazinha de plástico começou a ser fabricada na União Soviética (URSS) em 1953 e teve pelo menos 26 versões lançadas até que deixou de ser produzida, em 1995. Na URSS as coisas eram meio caóticas. Um modelo de câmera às vezes era produzido em várias fábricas que ficavam espalhadas pelos países do bloco. A Smena, por exemplo, foi fabricada inicialmente pela GOMZ (Rússia). Depois foi para a MMZ (Bielorrússia) e, por fim, voltou para a Rússia, na famosa Leningradskoye Optiko Mechanichesckoye Obyedinenie (LOMO).

Como existem muitas variações e post ficaria enorme de grande se eu falasse de todas, vou focar nos modelos mais conhecidos atualmente: a Smena Symbol e a Smena 8M. Quem quiser ver a lista completa pode dar um pulo no Camerapedia. As duas têm muitas características em comum:

- Usam filme 135, ou 35mm;

- Foco por zona, com marcações de distâncias que vão de 1m a 10m e infinito. O sistema é impressionantemente preciso e a grande profundidade de campo da lente facilita bastante nossa vida;

- Velocidades do obturador vão de 1/15 a 1/125 e tem a função bulb (aquela que você segura o botão e o filme fica exposto pelo tempo que quiser);

- Marcação pictográfica das velocidades (nuvenzinha, solzinho, solzinho detrás da nuvenzinha e talz);

- Lente 40mm, com diafragma f/4, de três elementos. Existe uma edição especial da 8M com lente Industar 40mm f/2.8;

- Anel de diafragma em volta da lente;

- Sapata de flash;

- Rosca para tripé;

- Contador de poses que não funciona direito;

- Case de couro cafona.

Olha a 8M aí

Muito bem, agora vamos às particularidades. A 8M, fabricada de 1970 a 1995, é bem chatinha de usar. Para começar, o avanço do filme é feito girando uma rodinha serrilhada, que esfola o dedão antes de chegar na metade do filme. Depois de avançar, é preciso armar o disparador, abaixando uma alavanca ao lado da lente. O mais irritante é que eu sempre esqueço o dedo em cima dessa alavanca, aí a cortina não fecha e acabo sempre queimando uma ou duas fotos por causa disso. Ela precisa de cabo de sincronismo para o flash  e  permite usar cabo disparador (acho que é a única vantagem em relação à Symbol).

E essa é a Symbol

A Symbol foi fabricada entre 1970 e 1993. Por ser um projeto mais moderno, é mais fácil de usar do que a 8M. Ela tem sistema de avanço rápido do filme, por meio de uma alavanca, que serve também para armar o obturador automaticamente. As vantagens são que o tempo entre uma foto e outra é menor e não precisamos esfolar o dedo para passar o filme. Ela tem também uma rodinha com marcações ASA e DIN na parte de trás, para nos lembrarmos de qual filme está carregado. Muito útil. Uma grande evolução é que não precisa mais do cabo de sincronismo de flash.

Cá entre nós,  não entendo os russos. Por que fabricar duas variações da mesma câmera, na mesma época e com uma diferença de qualidade tão grande? Pior: a câmera mais legalzinha morreu primeiro. Eu hein!

Mas, apesar dos pesares, gosto muito de fotos feitas com essas câmeras. Vou dar alguns exemplos:

Com tantos tipos diferentes, hoje estou aqui para apresentar um pouco sobre o trabalho da fotógrafa alemã Stefanie Schneider. Stefanie usa filmes de polaroid expirados para criar atmosferas surreais e únicas devido à deterioração dos químicos que compõem o filme instantâneo. Muitas de suas fotografias lembram stills desbotados de filmes produzidos em câmeras antigas como a Super 8, e não só isso, mas o modo que ela compõe os cenários a serem registrados também sugere uma interpretação ou influência cinematográfica bem acentuada.

Sua técnica consiste exatamente em trabalhar em cima da instabilidade das cores, texturas e contraste que variam de filme pra filme conforme seu estado. O resultado é sempre diferente e interessante, as tonalidades presentes na maioria de suas fotografias são um dos elementos que mais chamam a atenção: Manchas amareladas, tons de azul, pouca ou muita saturação ajudam a montar juntamente com suas preferências de composição oportunidades de diferentes narrativas, entrando em campos como sonhos, desejos, memórias, medos…

Posso adivinhar? Vocês devem estar pensando que ela não está a fazer grande coisa, não é? Já que muitas pessoas compram os filmes da Impossible Project interessados justamente neste padrão de qualidade das imagens. Diversos lotes de filmes da Impossible eram mais tentativas quase às escuras de “acertar” na composição de químicos e blablabla do que um produto finalizado e satisfatório, gerando estes “defeitos” e características que estão sendo citados e observados aqui, nas fotos de Stefanie, logo, o que há de tão diferente no que ela faz e… Calma, eu explico.

Lá pelo começo dos anos 2000 (ou até previamente, é mais provável!), antes da Impossible Project surgir e disponibilizar filmes de características defeituosas duvidosas e “exóticas” a fim de substituir os falecidos originais da Polaroid que todo mundo já está familiarizado, Stefanie já experimentava renovar padrões pré-estabelecidos, como usar um material considerado inválido, se aproveitar dos aspectos visuais alterados que filmes polaroid expirados (ou dos temperamentais da Impossible Project, alguns anos mais tarde) poderiam oferecer e como ela os usaria a seu favor.

Sem Instagram ou actions modernosos de PS para explorar as possibilidade de efeitos em fotos, antes da “moda Polaroid” vier à tona novamente, Stefanie já aproveitava daquilo que era descartado pela maioria das pessoas: Os tais filmes expirados. Uma vez que a Polaroid já havia anunciado o encerramento de produção, era só isso mesmo que sobraria, filmes fora de validade, a diferença entre ela e algumas pessoas que automaticamente já jogavam os filmes fora é que ela encontrou lugar quentinho e agradável em seu laboratório pessoal para os desprezados, e em retorno estes lhe proporcionaram uma linguagem rica em narrativas e interpretações, uma bela troca com alguém de mente aberta e ativa.

Com material que muitos consideram lixo ou inutilizável, Stefanie Schneider reutiliza e renova significados com seus filmes alterados, em um humor inevitavelmente retrô, exagera em componentes, trajes e ambientações que certas horas emanam um clima nostálgico e doce e em outras um pop agressivo, com toque sensual e ousado.

Não tenho certeza se Stefanie utiliza dos filmes da Impossible Project (não duvidaria nada que use e muito), porém, em tempos que a empresa ainda não havia crescido e acendido novamente o interesse à fotografia instantânea, a fotógrafa alemã já inventava e reinventava suas práticas com o que ainda sobrara das antigas fabricações pela Polaroid. Stefanie Schneider (e muitos outros artistas) enxergou além, foi além com o que aparentemente poderiam oferecer à ela e as limitações que estes detinham, e é esta a ideia que acredito muito dos posts aqui do Queimando Filme encorajam a fazer: o desafio a si mesmo, sair da sua zona de conforto e ter a possibilidade de crescer, criar, experimentar.

Em resumo, eu também me aproveito da oportunidade e me coloco em posição de estimular a todos a se atreverem sempre, assim como Stefanie. Se questionar – “será que posso fazer mais?“, “como?“, “por quê?” são indagações que exercitam a imaginação e instigam o “pôr a mão na massa”.

Esta é uma receita básica, mas que se modifica para cada um, resultando em coisas incríveis, inovadoras e prazerosas tanto para seu criador quanto para quem observa.

Não vou me estender muito, porque os videos falam por si só. Dá uma olhada!

O Daguerreótipo: 
Inventado no começo do século 1800 por Louis Daguerre, o daguerreótipo foi o primeiro processo a se tornar um sucesso comercial.

Colódio:
Inventado também em meados do século 1800, o processo de colódio foi bastante popular antes de ser substituído pelo daguerreótipo. Também é conhecido como processo de “wet plate”, ou colódio úmido.

Albúmen:
Atmbém inventado em (adivinhem!) meados do século 1800, foi o primeiro processo comercialmente viável para criar imagens fotográficas em papel com base em negativos fotográficos. E, caso você não saiba, albúmen é outro nome para a comum e doméstica clara de ovo, que é um ingrediente importante desse processo.

Woodburytype:
NERD ALERT: Não, não tem nada a ver com a cidade de The Walking Dead, ok?
Inventado em 1864, foi o primeiro método capaz de produzir impressões que preservassem os detalhes da fotografia.

A Impressão com Platina:
É um método monocromático que supera todas as outras técnicas no que diz respeito a alcance tonal. Ao invés de prata, é usada platina na emulsão do papel fotográfico. O resultado são impressões extremamente duráveis, já que a platina é um metal extremamente estável. Fotos feitas com platina tem durabilidade prevista de milhares de anos!

Impressão com Gelatina de Prata:
É o processo usado na fotografia preto e branco até o surgimento dos filmes coloridos. Se você já revelou um filme preto e branco, mesmo hoje em dia, provavelmente foi esse o processo que você usou.

OBS: Este post é inspirado no post do site PetaPixel “Fascinating Videos About 6 Photographic Processes Used Through History“, publicado em 6 de agosto de 2012.

1-Ansiedade do bem: quando você captura um momento especial mas não tem certeza se conseguiu o melhor ângulo, o frio na barriga pra ver o resultado é das melhores sensações. O mais legal é quando o clique supera as expectativas.

2-Achar outras belezas: às vezes você pensa em desistir de um ou outro tipo de câmera ou filme porque parece bem difícil. Eu, a Diana F, a dupla exposição e o Redscale não somos melhores amigos, e acabo ficando condicionada a achar que nunca vai dar certo. Mas aí vem um resultado fora do convencional que mesmo assim te enche de alegria.

3-Parcerias especiais: meu filhote embarcou comigo na onda analógica e é o personagem principal de quase todos os meus experimentos. E é muito bacana ver a curiosidade dele com o processo inteiro: desde colocar o filme na câmera, até ver o resultado digitalizado e acompanhar a edição das fotos que vão pro flickr. Não podia ter companhia melhor!

Se inspirou? Manda pra gente porque você fotografa com filme em três tópicos e três fotografias exemplificando cada um dos motivos. Para contato@queimandofilme.com, com assunto “Três Motivos”, seu nome e, se quiser, o link com seu site, blog, flickr.